Un’attrice e un musico attendono insieme al pubblico l’arrivo del capocomico per la prima lettura di Gelone, un testo antico e quasi sconosciuto dedicato alla figura del tiranno di Siracusa e alla battaglia di Imera del 480 a.C. Gli spettatori non sono semplici osservatori: sono i membri della compagnia convocati per iniziare le prove.
L’atmosfera iniziale è segnata da una certa diffidenza. L’attrice e il musico, come gli altri “attori” presenti in sala, mostrano perplessità davanti a un’opera priva di tradizione scenica e lontana dai grandi miti più conosciuti. Chi è Gelone? Perché raccontare una storia che nessuno ricorda? Vale davvero la pena riportarla in vita?
L’arrivo del capocomico cambia però la prospettiva. Con entusiasmo e ostinazione, egli difende il testo, mostrando come dietro la vicenda di Gelone si nascondano temi sorprendentemente contemporanei: il rapporto tra potere e responsabilità, la guerra, il consenso, la memoria, la gloria e il prezzo umano della vittoria. Proprio perché privo di immagini già fissate nell’immaginario collettivo, Gelone si rivela uno spazio libero, ancora tutto da inventare.
La lettura si trasforma così in un laboratorio teatrale aperto. Il capocomico guida attori e pubblico nel lavoro sul testo, mostrando come costruire le scene e come improvvisare a partire dalle situazioni e dai personaggi. Sotto gli occhi degli spettatori prendono forma Gelone, condottiero lucido e ambiguo; Damarete, voce di equilibrio e coscienza; Terone e Amilcare, figure speculari di potere e destino.
Lo spettacolo Gelone nasce direttamente sulla scena. Nulla è già stabilito: ogni episodio viene costruito nel momento stesso della rappresentazione. Il pubblico diventa parte integrante della compagnia e assume il ruolo del coro tragico, intervenendo con parole, reazioni e movimenti, trasformandosi di volta in volta in assemblea, esercito e memoria collettiva.
Attraverso la vittoria di Imera, la sconfitta di Amilcare e la morte di Gelone, il capocomico conduce una riflessione sul significato stesso del teatro e del mito. I grandi personaggi del passato non sono modelli da imitare né statue da venerare, ma strumenti attraverso cui interrogare il presente. Ogni figura epica custodisce una possibilità dell’animo umano, una tensione, una scelta.
Al termine della rappresentazione, ciò che sembrava un testo dimenticato si rivela straordinariamente vivo. L’attrice e il musico comprendono che il teatro non consiste nel ripetere meccanicamente storie già note, ma nel riattivarle continuamente, permettendo a ogni epoca di riconoscersi in esse. E il pubblico, divenuto compagnia e coro, scopre di aver partecipato non alla semplice messa in scena di un’opera, ma alla sua nascita.

Foto: C. Chiavetta